梅墨生，1960年出生于河北，号觉公、斋号如堂，曾来自宣道平、李天马、李可染等老师。 文化部国家艺术科学研究课题项目审查专家、中国画学会理事、中国文艺评论家协会理事、民盟中央文化委员会委员。
梅墨生的微信朋友圈，2019年5月18日，标题为“失眠”，从中可以看出“人生中有紫藤花一样的东西，结痂，枯萎，
拉花架有时也会让寂寞充满庭院
人生有不可思议的雨，不下就忧郁，不下就半夜爽快
从鬼窗看不富裕的花园
紫藤花又壮丽，伴竹、牡丹、玉兰
现在找不到曹洞禅的洞
现在找不到任何好处和放弃
只有可怜的浮游之心才会失眠
2019、5、17夜梅》
从梅先生的微信的内容来看，是在失眠的雨夜写的。 他把人生比作紫藤花，比作不可思议的雨。 紫藤花结痂，枯萎，但其花藤逐渐壮健，经过风雨和岁月的洗礼，其花有成长的喜悦，有孤独的感觉。 一夜之雨，不知何时来，不知何时去。 读了这个文字，有些悲伤，有些悲伤。
人生无常。 匆忙的岁月，谁也挽留不住。
幸好他的书和画能给我们美好的享受，心灵的慰问药。
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以下是梅墨生的作品。 0人生哪里会下霜。 看起来很寻常。 看上去很普通，名利江湖和江湖多次转肠。
现在忘记了风霜的雾。 是个晴天。 是个晴天。 伴随着月光。
这种“采桑子感觉”读起来特别感人。
童中熹评价说“墨生擅长山水、花鸟”。 安静，雅致，邪恶，空灵，多为“拙”，那本书，画是同一法理。 其方法是，山水盖八大、石溪、龚贤、渐江、近师黄宾虹、李可染有力的花鸟综合八大、罐翁、齐白石、潘天寿、李苦禅。 但章法、结体、虚实、不同凡庸之音。 《二鲁内图》、《青山雨雨图》的幻化、《依样》的节奏、《秋山图扇》和《山深有古寺》繁忙而不现实，“深山云烟平”并不紧张，“夏山图”苍茫的天空，《云山多重》的推迟和生意和“疏忽”都不在意，必须推测 墨生的画是传统的文人画。
辛尘先生说。 “梅先生写字，框架来自北碑，笔法来自汉碑，古拙、宽而奇怪，常见“厚”字。梅先生似乎更重视“写”，重视笔致自然体验——不矫正态度，不整体，只写近乎自动的文章。 梅先生的字又能看见“清”字，精神饱满，雅灵动，这真是南帖的精神和情韵。 但我不认为这是梅在追求碑帖熔铸。 相反，梅字是那个人的真实描写。 它既不是那平静的寺院气息，也不是甜蜜的市井气息，它是奇怪、稀疏、生动、清新、真正的山林气息。
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梅先生的报道，向大家推荐。 谈“得意”的中国画画
作者:梅墨生
中国画是中国文化的特征，是中国文化精神的集中表现。 因此，谈论中国画不仅要有艺术风格，还要与中国文化整体相联系。 庄子说“一个人与天地精神交流”，说“天地有美，但不说”，表现出以人的生命本身开悟的节奏。 从宇宙精神这个本质上设定美。 《列子》中记载的九方皋相马，得其精，忘其粗，其中忘其外，专心于马神骏，不在牝牡丹骏黄之间。 中国画是写实的，从“意”这个词中体会到的话，就会写出内心的声音。 当然，得意忘形也不是不成形的。 徐复观说，中国的文化精神离不开现象。 中国的绘画，与自然押韵。 只是着重于形状的水平。 是物像的精神本质。 中国人把观赏画称为读书画，强调心灵阅读。 对意境的追求是中国画的最高目标。
中国画一开始就体现了绘画的本质特征——绘画不是外在的“物”，而是内在的“理”。 这取决于中华民族的特殊视觉特征。 中华先人在原始采集活动中观察、比较和选择周围的静物是一个基本的视觉过程。 这是体道的艺术境界，宗白华深刻描写了这一境界
“以宇宙人生的具体事物为对象。 观赏其色调、秩序、节奏、和谐，使能窥见自己最深刻内心反映的实景变得虚实。 象征形象，将人类最高的心具体化，肉体化”。
从中国画的发展史分析。 可以得出中国画一直在“道”中运动的结论。 从这些过程中，我们很难体会到中国画的造型是从记录体的观念创造观念形象，反映文化创造文化发展脉络。 中国画不仅仅是题材和技巧之类的“形而下”的论述能够理解，这个特征也体现在中国画的色彩观念中。 色彩不是作为独立的“文化要素”，而是作为一种物体和一种感觉被社会文化所赞同，黑、黄、红、蓝、白作为中国原始艺术的基本色彩，最终形成了古老的“五色”原理，在中国最古老的文化中，色彩成为最重要的社会标志。
中国人的原始色彩观与时空相连。 也就是说，当颜色随时在天空中将洪荒无序变为秩序，确立宇宙秩序时，中国的色彩也确认了人伦秩序。 把五行作为构成世界万物的原始物质元素。 原始五行说的黑、红、青、白、黄五色也是对水、火、木、金、土5种自然物质颜色的观察、反映和总结。 五色说虽然有很多哲学伦理上的意义，但也缺少规则因素。 例如，五色系的红、黄、蓝在现代的色彩学中逼近三原色红、黄、蓝。 这三种颜色基本上代表了所有的可见光谱色。 五色是现代色彩学中最基本的颜色。 我们远古的祖先通过观察直观地观察五色，其认识与色彩的本质相吻合。 就像《淮南子》中的云，“颜色的数目不过五，五色的变化，是看不见的”
因为颜色比形象更容易直接表现观念，所以在中国古代绘画中，颜色的使用比形象更重要，难以用形象表现的观念也可以用颜色传达。 在中国最初的美术理论体系中，关于色彩也同样总结了“跟随班级”的方法，在中国画的造型中色彩发挥了“跟随班级”的作用。 这样，颜色在中国画中一直被自由使用。 不受形式的制约。 唐代张彦远云:“气韵不足，空陈形似，笔力不清，空善赋彩，非妙”中国画的形式和颜色用笔高度统一，是在画家主体个性特征中完成文化的本质培养。 最终，世界上一切颜色和心理的最大范围升华。 高度的构造，创造了中国绘画的最高领域——水墨画体系。 这是中国色彩观念超越阴阳五行说对“道”的直接、形象体认和解释。 因此，水墨是所有颜色的综合表现，“水墨画是颜色最大的抽象”。
中国文化精神的核心问题，始终是意境问题，它是个人艺术家终身追求的最高目标。
文章是人品，教养，更是界限。 黄宾虹说:“笔墨古今无变。 因为它是境界，是精神，是“道”的外在表现。 天不变，路也不变，是形而上的水平。 只有绝对精神的世界才能永远持续下去。 中国画被称为“得意”的笔画境界就是这样一个极高的境界。 以文章为精核的美学，是中国特有的。 只看色相，我国祖先喜欢明确的黑白。 老子云《知白守黑》。 五颜六色五彩，容易杂乱。 唐王维说，在画中，水墨是最上面的。 以墨为五色之主。 唐张彦远在《得意》文章中有很好的论述
“草木繁荣，不等精心采摘的云雪飞扬，不等铅粉变成白色的山，不等空青和翠的凤不等五色画画，是运墨用的五色道具，据说很拿手。 我觉得五色中物象很好。 ’他说
在这里，从“运输墨”一词开始。 不仅仅是色调。 我已经用笔了。 墨呈五色，通过笔法实现，这一观点在他的另一论述中更加明确
“但是，现在的画家，粗犷而美丽，其形状相似的话，就没有那种气韵了。 有了那种颜色，那种笔法就会丧失。 几天电影都可以吗？ ’他说
从这两个文字分析可以看出不是笔墨两种材料的工具。 是笔法和墨法，最终分为一种方法——笔法，也包括色彩。 色彩也要用笔法完成。 作品如果失去笔法，自不必说擅长，也不能说画。 而且，墨水既然是五色的主，墨水本身就呈五色，推测“都是根据构想使用笔”。 这个在色调上扩大了文章的意思。 从运墨笔中，回到操作它的主体——人品自然就属于笔致的范畴。
元代初期的赵盂临时指出“结体会随时间而继承，用笔永远不会持续下去。” 时代的传承者指的是形式上的面孔。 永远困难的人指的是精神的本质。 黄宾虹说:“章法多次变，笔不动。 不动者精神，多次改变人的脸”。 在此，需要说明前者的“结体”和后者的“章法”属于同一“笔墨”的范畴。 黄宾虹是指将章法和墨分开，对墨的“变”和“不变”水平进行说明。 实际上文章整体上是统一和不可分割的概念。 王国维论绘画说布局是第一形式。 笔以墨为第二形式，中国画的“笔墨”是表现“心界的一切”的两种形式。 工具也是目的。 “笔”可以说本末、包外、表里、心灵和谐相辅相成。 是内容和形式的统一体。 是精神的具体化。 “笔墨”是中国画的“语言”。 关于艺术表现和鉴赏。 语言是真实的。 表在中间。 正因为有分析的必要，才能区别开来。 事实上，技术和精神可以怎样分离？ 因此，笔的边界就是将事物合为一体的边界。
艺术不是生活本身，而是高度发展。 那个艺术形式的提取必然会出现程序。 中国画程序是比较固定的笔致结构典型化。 是一种高度成熟、精致的艺术风格。 “程序”和“风格”在概念上是交叉的。 例如，绘画史上的“曹衣出水”、“吴带当风”、“黄家富贵、徐熙野逸”等是风格，也包含了程序。 如果风格是“道”，程序就是“技”，也是“技进入道”的必由之路。
尚意中国画的“意”是画家的艺术构想、意境创造、运笔的布墨之魂。 作品一写，作者常常做运筹。 “笔尖含义”可以说是“设计淡雅地经营着”。
中国画家最终追求的是“不超越心灵所欲”的自由王国境界。 "孟子的言性，庄周说自然。 纵说也没有如意”。 犹如江云在天上。 随风飘动。 这是一心一意，升华到第二大自然的最高境界。