汉代有国画。 汉族自认生活在天地之中，因此自称“中国”，中国的绘画称为“中国画”，简称“国画”。 国画是从中国传入数千年的辉煌艺术文化，用笔在宣纸、丝织品上画画。 题材以山水、花鸟、人物居多。 国画在内容和艺术创作中，体现了古代人对自然、社会各方面的认知。
我们应该怎样欣赏国画？大家都觉得很高雅，很漂亮，所以说不来呢？其实，古人早就用国画欣赏来总结了。
南齐谢赫的书《古品录》中提到:
气韵生动，骨法笔，应物象形，按班彩，写经营位置、传记。
这就是后人称国画鉴赏的“六法”。
的气韵生动，犹如人的气质。 拥有饱满诗书的人和一个行商去世给人的感觉，是气质上的差异。 这种感觉用于描写国画，指气韵。
作品气韵反映了作者的文化基础、审美倾向和创作热情。 这绝对不是可以学习技法的。 也就是说，两个气韵相同的画家，与派系的师徒无关，出现的作品给人以类似的感觉。 气韵是作品的精髓，功夫不是技法，不是画中，而是生活。
良好的绘画精神是作品的综合性气质对观赏者视觉和心理的冲击。 欣赏者可以感受作品的气势、闲居、冷酷、放荡，这些感觉都来源于对气韵的理解。
骨法用笔表现在技法上，是描线、点染、皲笔，但是模糊、墨迹是融合了“点线面”的技法。
除了颜色，绘画的基本支持是点、线、面三术。 传统的国画有“平、留、圆、重、变”五个笔和“浓、淡、破、积、焦、宿”六个墨，是指线的挫折、疏密、速度、浓淡、干湿、粗、虚实的组合。
线使用技法不能成为“纯熟”一词的标准。 素熟还很纯粹，看起来外行，但我们不能标准化。
应物象形这是指国画的内容。 我们知道国画分为工笔和写意，工笔者，笔法精巧，讲究的是形象的写实人，笔法粗糙，讲究的是神像。
但是，无论是工笔还是写实，国画都优先考虑意义。 工画也是精致的对象，那样现实的东西真的在画中吗？ 工程画看起来不像照片。 因为基础是神格的，所以我们有意识，无意识地忽视这个差距，认为是真的。 实际上是画家抓住事物的神韵再现的。
国画应物象形的内涵是神像。
和“应物象形”一样，不能配合彩国画的颜色，完全追求真相。 画师们可以利用色彩的活用来表现自己想要强调的东西，并提示给观赏者。 淡雅、明亮、超然、通过着色来表现。 在水墨画中用墨的颜色浓淡、浓淡来表现。
经营位置指国画布局。 与西方绘画相比，国画透视性差，二维平面。 仅仅是布局，创造远、高、深、安静等需要透视表现的视觉效果。
这种手法虽然不自然，但可以给人艺术感想和乐趣。 比如《洛神图》、《韩熙载夜宴图》、《清明上河图》，以及围绕王家的绘画作品，用透视法来表现的话，一定能看到领子，国画的方法是有馀地的。
国画和诗词相同的地方，在经营场所的空白处。 这最能体现布局的设计，通过空白，让观察者看到没有描绘的内容，通过各自的想象，可以得到各自的艺术感觉。
这是国画艺术技法的传承。 国画作为传统艺术，对先人的学习和自我创新十分重要。
“传”是传承，“移”是改善，“模”是学习，“写”是创新。
画家能否将前人的技法运用到自己的画中，需要下功夫和理解。 一个人的画没有章就被视为“盲目的画”。
但是只有技法，没有个人风格，不是优秀的作品。 艺术注重创新，不能赋予新的意义。 不要让眼前明亮起来。 那是“匠气”，决不能说是大家。
这样的创新，必须以传统为基础，而非创造性。
以上的种类，需要我们长期的知识积累，只有加强我们的审美体验才能得到真正的体验。 这也是观赏国画不简单的原因。
不懂国画的技法，不懂技法产生、发展的源流，不能说画在哪里，最多只能说“漂亮，喜欢”。
这几乎是直观的，我们六法之首的“气韵生动”，其实是感受画家个人修养、价值倾向等内心素养的气质。
宋代文人画兴起后，文化基础成为国画作品的精髓。
画家有基础，欣赏者也必不可少。
学识和修养的深度，决定享受乐趣的多少。
当然，凭直觉欣赏也没问题。 毕竟很多人的画从直觉上不喜欢，也没有必要从其他方面找到享受国画的乐趣。
